Dies Irae & Rembrandt

 Si uno coge las escenas con interiores nocturnos de cualquier película de época, podría seguir las huellas dejadas por Rembrandt. Puede que, según el contexto histórico en el que se desarrolle la acción, cambien los decorados, la ambientación o los ropajes, pero el tratamiento de la luz, con escasas variaciones, suele seguir el rastro de este pintor con una destreza maravillosa a la hora de utilizar la luz o, mejor aún, la ausencia de ella. Su fuerte contraste entre la luz y la sombra, con fondos oscuros y tenues o el color negro que domina casi todo el cuadro, provoca que los puntos donde pone la luz multipliquen la sensación visual. Todo eso de "menos es más" ya lo inventó este señor allá por el siglo XVII y se refería a la luz. Aún hoy, muchos fotógrafos no comprenden que es más importante saber apagar focos que encenderlos.

 Curiosamente, el artista que más pintura negra habrá gastado, es conocido en el mundo entero por la maestría de su iluminación. Pese a que suelen citar a muchos otros pintores, los directores de fotografía (a veces sin saberlo) tienen en Rembrandt a uno de sus mayores referentes. Incluso puede que haya sido uno de los primeros directores de fotografía con conocimiento de causa. Además de muchas otras virtudes, lo suyo era iluminar. Ejemplos de esto son "La Ronda de Noche", "Jeremías lamentando la destrucción de Jerusalén", "Aristóteles contemplando el busto de Homero" o "El sacrificio de Isaac".



 Salvo raras excepciones, los libros (casi siempre de entrevistas) sobre directores de fotografía con nombre y apellido son muy dados al autobombo, a la pleitesía y al vehículo promocional. En esas entrevistas, donde el protagonista (a saber por qué) es tratado como un supremo hacedor, suele surgir con frecuencia una frase recurrente (y grandilocuente) que ya se ha convertido en etiqueta: lo que pretendo es "pintar con la luz". Doy por hecho que se refieren a Rembrandt.

 Muchos directores de fotografía (y muchas películas dan fe de ello) temen a la frase del productor: "si pago 10 millones de dólares por una estrella quiero verle la cara, a la mierda la historia y la ambientación". Esta afirmación tan burda y aparentemente arcaica, con sigilo, sigue vigente hoy en día. Cuando en un rodaje aparecen los "visitadores" (altos cargos de producción, ejecutivos varios, patrocinadores, programadores de televisión etc), a menudo, se sienten en la obligación de justificar sus salarios y se convierten en "opinadores". No es necesario tener idea de lo que hablas, pones cara de buen rollo y dices cosas como "¿no parece que está muy oscuro?" o "recordad que se tiene que ver bien que es para televisión", mientras uno o dos se hacen los ofendidos (cuando ya se han marchado) y... callan. La penumbra sigue siendo sospechosa.

 Son los mismos mecenas que le devolvían sin pagar un cuadro a Rembrandt porque había retratado de frente a un tuerto rico que siempre era pintado de perfil. Alguien que pretende ganarse la vida con la pintura, ¿como puede ser tan osado como para hacerse un autorretrato donde la luz viene por detrás y apenas se vislumbra la cara?. Rembrandt lo hizo en 1628. Seguro que tuvo que pelearse con la misma ceguera de los que siempre poseen el dinero. Es sorprendente lo bien que viajan en el tiempo los prejuicios a la par que se mantienen frescos como una lechuga hasta hoy en día.



 He dejado más arriba la "Lección de anatomía" y "Los síndicos de los pañeros", dos de sus cuadros más famosos, unos retratos colectivos donde parece que hay un proyector con un haz de luz concentrado pero suave que ilumina cada cara. En "Los síndicos" se ve perfectamente una característica que acompaña casi toda la obra de este pintor: mostrar una escena en la que parece que se ha cogido a la gente de improviso, como si alguien hubiese abierto una puerta de repente. Los síndicos parecen sorprendidos en su quehacer de comprobar la tela de los tejidos. La misma sensación se va apoderando de ti en Dies Irae, tienes la impresión de que estás siendo testigo de algo que no deberías estar viendo.